L’éloge de la matière / La matérialité et ses enjeux dans le domaine des Monuments historiques 2/2
« On ne restaure que la matière de l’œuvre d’art. » Ce postulat, donné par Cesare Brandi dans Théorie de la restauration, place la matière au cœur du processus de restauration. La « matière de l’œuvre d’art » est pour Brandi d’une double nature, où l’on doit distinguer la structure et l’aspect, autrement dit d’une part ce qui constitue l’œuvre, et d’autre part, ce qu’elle donne à voir. Elle est au cœur des pratiques de conservation et de restauration, qui transforment la matière de l’œuvre d’art pour la placer dans une temporalité nouvelle.
Les grandes chartes qui régissent la déontologie de la restauration donnent une place centrale au matériau, et donc à la structure de l’œuvre d’art. L’acte de restaurer a cependant pour objectif premier la conservation pour la transmission aux générations futures. Il ne saurait, à ce titre, se passer d’autres notions, telles que l’esthétique, l’approche sensorielle et mémorielle, l’usage. La question de la matérialité se pose par ailleurs différemment à l’approche de certaines typologies patrimoniales : le patrimoine des jardins est, par nature, « vivant, périssable et renouvelable[1] », tandis que le patrimoine technique se définit en grande partie par sa valeur d’usage. Du reste, les avancées scientifiques et la pluralité des approches internationales invitent à échanger sur ces grands principes. La relation établie, dans la culture japonaise, entre le patrimoine culturel immatériel et le patrimoine culturel matériel montre qu’une approche différente peut être admise pour la transmission du patrimoine architectural. Comment définir la substance d’une œuvre ? Que veut-on conserver et transmettre ? Quelle est la matière que l’on conserve, lorsque cette dernière est amenée à vivre, à croître et à mourir ? Quelle place donner à l’immatériel et au sensoriel dans la conservation-restauration (exemples : l’harmonie pour un orgue, la lumière pour les vitraux) ?