Diese große Retrospektive, die Lucien Clergue gewidmet ist, nimmt seinen Namen endgültig in das Pantheon der Fotografie des 20\. Jahrhunderts auf. Nach der feierlichen Ehrung des Grand Palais im Jahr
Diese große Retrospektive, die Lucien Clergue gewidmet ist, nimmt seinen Namen endgültig in das Pantheon der Fotografie des 20. Jahrhunderts auf. Nach der feierlichen Ehrung des Grand Palais im Jahr 2015 versammelt diese neue Ausstellung zum ersten Mal alle großen Serien, die sechzig Jahre lang entstanden sind. Von den ersten Abzügen aus dem provisorischen Labor, das in der mütterlichen Küche installiert ist, bis zu den souveränen Kompositionen der Reife - hier entfaltet sich das gesamte Werk eines Fotodichters und Dichters in all seiner Kohärenz und Kraft.
Geboren 1934 in Arles, ist Lucien Clergue ein Kind der Camargue und des Krieges. Seine Mutter Jeanne, die einen bescheidenen Lebensmittelladen in der Rue de la Roquette führt, erkennt in ihrem einzigen Sohn diese besondere Sensibilität, die Kunst erfordert. Mit acht Jahren schenkt sie ihm ihre erste Violine; mit dreizehn, seine erste Kamera. Zwischen diesen beiden mütterlichen Gesten liegt die ganze Zukunft eines Mannes, der nicht aufhört, Musik und Bild, Partitur und Druck, Melodie und Licht zu weben. Als das Familienhaus durch die Bombardierungen von 1944 zerstört wird, ist Lucien erst zehn Jahre alt und schon setzt sich in ihm die Melancholie wie eine zweite Natur ein. Seine Mutter starb 1952 und hinterließ ihn allein mit einer Kamera, einer verfallenen Stadt und der absoluten Dringlichkeit, sie zu schaffen.
Diese Dringlichkeit spiegelt sich in der erschütternden Serie Les Saltimbanques wider, die zwischen 1954 und 1955 entstand. In den Trümmern von Arles versammelt der junge Fotograf seine Freunde aus der Kindheit, deren Harlekin- und Trapezkostüme in seinen eigenen Pyjamas gekleidet sind, und komponiert eine "große Trauerrekreation", bei der helle Akrobaten unter einem sonnenlosen Licht herumlaufen. Diese Bilder, in denen der Schatten des blauen Picasso nachlässt, ohne dass Clergue seinen älteren Sohn noch einmal getroffen hat, sind vielleicht die geheimsten und intimsten seines gesamten Werks. Sie erzählen vom Verlust, vom Krieg, von der zerbrochenen Kindheit, aber auch vom poetischen Aufprall, das den Schmerz in ein Theater verwandelt.
Das Jahr 1953 war ein Jahr der Enthüllungen. In der Arena von Arles reicht der schüchterne Teenager seine Fotografien einem Mann aus, dessen Anwesenheit er gerade erst erfahren hat: Pablo Picasso. Der spanische Meister, beeindruckt von der Reife dieses Blicks, bittet ihn, weiterzumachen, zurückzukehren und seine Abzüge zu schicken. Eine Freundschaft entsteht, die zwanzig Jahre andauern wird, bis zum Tod des Malers im Jahr 1973. Picasso wird für Clergue gleichzeitig Mentor, Komplize und Zeuge. Er stellte ihn Jean Cocteau im Jahr 1957 vor, der seinerseits begeistert war und ihn zu den Dreharbeiten für das Testament d'Orpheus in Les Baux-de-Provence einlud. Der Dichter war von den Fotografien von Arles so beeindruckt, dass er einige Szenen davon in den Fresken der Kapelle Saint-Pierre in Villefranche-sur-Mer wiedergab. "Clergue war zweifellos der einzige Zeuge der Geburt von Aphrodite, das soll man sich sagen", schrieb er.
Durch die Vermittlung von Douglas Cooper, dem großen Sammler, der sich auf dem Kastilischen Schloss bei Uzès niedergelassen hatte, trat Clergue in den internationalen Kreis der modernen Kunst ein. Im Jahr 1958 stellte er im Kunstgewerbemuseum in Zürich aus, zur gleichen Zeit wie die legendäre Ausstellung The Family of Man. Edward Steichen, der damals die fotografische Abteilung des MoMA leitete, entdeckte seine Arbeit und erwarb mehrere Drucke (Karignen, Zigeuner, Stiere, Sumpf, erste Nacktbilder) für die Sammlungen des New Yorker Museums. Dies ist der Beginn einer amerikanischen Anerkennung, die niemals zurückgenommen werden wird. Im Jahr 1961, als Clergue seine erste Reise in die Vereinigten Staaten mit seiner jungen Frau Yolande (Picasso schenkte ihr das Ticket), betrat er das MoMA, um dort Guernica zu sehen, und durchquerte, verblüfft, die ganzen Räume, die der Fotografie gewidmet waren. Dort ist die Fotografie eine eigenständige Kunst. Frankreich ignoriert diese offensichtliche Tatsache immer noch.
Aus diesem Schock entstand eine Mission, die Clergue die Hälfte seines Lebens beanspruchte: die Anerkennung der Fotografie als bedeutende Kunst in seinem Land. Es dauerte fünfundvierzig Jahre, unermüdliche Kämpfe und die Gründung der 8. Sektion der Akademie der Schönen Künste im Jahr 2006, deren erster akademischer Stuhl er innehatte. Aber schon lange vor dieser Weihe hatte Clergue Arles in die Welthauptstadt des Bildes verwandelt. Nach seiner Rückkehr aus New York gründete er mit Jean-Maurice Rouquette, dem Kurator des Musée Réattu, die erste öffentliche Fotosammlung eines französischen Museums, die heute mehr als fünftausend Werke umfasst. Und 1969 führte er mit einigen Komplizen die Rencontres internationales de la photographie in Arles auf dem Taufbecken aus, deren internationaler Glanz nie erlosch ist.
Über diese institutionellen Verpflichtungen hinaus hat Clergue ununterbrochen erfunden. Seine Karriere entfaltet sich in großen Serien, die wie die Bewegungen einer Sinfonie miteinander kommunizieren. Die Raubtiere und die Stiere erzählen von der Faszination für Thanatos, für die sich auflösende Materie, für die unklare Grenze zwischen Leben und Tod. Die Zigeuner, Nachbarn des Roquette-Viertels, werden wie eine auserwählte Bruderschaft gesungen: Clergue begleitet José Reyes, enthüllt Manitas de Plata, die Fahrt bis zur Carnegie Hall, und die Zigeunergitarre wird ihr Werk nie wieder verlassen. Les Nus de la mer, die 1956 eingeweiht wurden, sind vielleicht sein einzigartigster Beitrag zur Geschichte der Fotografie: An den Stränden der Camargue verheddern sich gesichtslose Venus in der Welle, werden zu antiken Statuen und kehren ins Wasser zurück. Clergue wagt sich ein radikales Gesicht, das sowohl akademisch als auch revolutionär ist und jede Anekdote beiseite wirft, um nur die ursprüngliche, zeitlose, universelle Frau zu halten.
Und dann ist da der Sand. Diese demütige, unendliche Materie, in der das tiefe, zerbrechende Licht vergänglicher Kalligraphien zu einer echten Sprache wird, so Clergue. An den Stränden von Faraman, nur wenige Schritte vom Heimatdorf seiner Mutter entfernt, fotografiert er jahrelang die Spuren der Vögel, die Gräben der Insekten, die Windfalten und das Wasser, bis er eine neue visuelle Grammatik komponiert. Im Jahr 1979 unterstützt er an der Universität der Provence einen postgradualen Doktortitel, der Skandal und Schule macht: Sprache des Sables, Dissertation ohne Text oder Wort, wo nur das Bild spricht. Roland Barthes, der bei der Verteidigung anwesend war, wird das Vorwort des im folgenden Jahr erschienenen Buches verfassen. Eine stille Revolution, auf das Niveau dieses diskreten Mannes, der immer lieber getan hat als gesagt.
Die Ausstellung, die wir heute präsentieren, folgt diesem geduldigen Faden. Von den Saltimbanken bis zu den letzten Polaroids, von den Kontaktplatten der fünfziger Jahre bis hin zu als Partituren konzipierten Buchmodellen - sie gibt die Kohärenz eines Werkes wieder, das manchmal zu einfach auf wenige Symbole reduziert wurde. Ein besonderer Schwerpunkt liegt auf der Farbarbeit des Fotografen, die lange von der Schwarz-Weiß-Legende überschattet wurde und dennoch für das Messen seiner vollen Modernität unerlässlich ist. Ab den neunziger Jahren begeisterte sich Clergue für den Überdruck. Diese Bilder, die vollständig am Bild aufgenommen wurden, ohne jegliche digitale Eingriffe, überlagern im selben Rahmen wie zeitgenössische Nacktbilder Stierkampfszenen mit Fresken der italienischen Renaissance. Clergue ist also nicht nur der Fotograf von Picasso, von Zigeunern oder Nackten aus Camargue. Er ist der Autor einer persönlichen Kosmogonie, in der die vier Elemente (Wasser, Erde, Feuer, Luft) immer wieder eine einzige Meditation über Zeit, Erinnerung und Verlangen bilden und zusammensetzen. Ein direktes Bild der Realität zu vermitteln interessiert mich nicht, schrieb er. Meine Fotos haben einen Teil der Ambiguität und einen Teil des Traums, sie sind Metaphern."
Dieser Teil des Traums, diese fruchtbare Ambiguität durchdringen den gesamten vorgeschlagenen Weg. Man wird sehen, wie die Fresken von Cocteau und die Porträts des spanischen Malers, die Gitarren von Manitas und die Karotten der Rhône, die Wellen der Camargue und die Violinen der Kindheit miteinander in Dialog treten. Dort wird man vor allem, im Stillen, die Chaconne von Bach hören, die Clergue während der Arbeit an seinen Büchern hörte und die, wie er sagte, das "Rückgrat" seines Lebens war. Denn Lucien Clergue, Fotograf des mediterranen Lichts, war auch ein großer Melancholier, der von deutscher Musik genährt wurde, ein universeller Arlésien, ein Autodidakt, der zum Akademiker wurde, ein Kind des Lebensmittelgeschäfts, das zum Freund der größten Künstler seines Jahrhunderts wurde.
Diese Retrospektive ist zunächst einmal eine Hommage an diesen beispielhaften Werdegang und an dieses einzigartige Werk. Aber sie ist auch, allgemeiner, die Gelegenheit, die Schuld zu messen, die die französische Fotografie denen schuldet, die es verstanden haben, ihr von Arles aus die Türen der Museen, der Akademien und der Gewissen zu öffnen. Lucien Clergue starb 2014 in der Stadt, die ihn nie wirklich verlassen hatte. Ihr Werk weitet seine Welle weiter aus, und jede neue Generation entdeckt darin unversehrt die Frische eines Blicks, der besser als jeder andere wusste, dass das Leben aus Sand, Krieg und Meer geboren wird.
Ausstellungskommission: Cyril Bruneau
